The Artist

Titolo IT.: id.

Regia: Michel Hazanavicius

Interpreti: Jean Dujardin, Bérénice Bejo

Produzione: Studio La Petite Reine e ARP Sélection

Distribuzione: Warner Bros. France

Origine: Francia, 2011

Durata: 100’
Uscita nelle sale: 19 ottobre 2011

Hollywood 1927. Georges Valentin (J. Dujardin), divo del cinema muto, conduce una vita all’insegna del successo. L’avvento del sonoro, però, lo condannerà all'oblio. Nel mentre, Peppy Miller (B. Bejo), ammiratrice di Valentin ed entrata nel mondo del cinema come giovane comparsa, verrà presto lanciata nel firmamento dello star-system.

Lo strano caso di The Artist deve aver convinto e commosso Cannes sia per la nostalgia di un certo cinema del passato, sia per la delicata ironia con cui il regista mette in scena il dramma di un attore del muto, un artista, l’ultimo della sua specie, costretto ad accettare la logica impietosa dell’industria cinematografica e quella dei tempi che mutano.

The Artist è certamente un caso, ma non isolato; già Mel Brooks aveva osato giocare con il linguaggio del cinema muto ne L’ultima follia di Mel Brooks (Silent Movie, 1976) e in Italia Corrado Guzzati e Igor Skofic con Fascisti su Marte avevano proposto un lungometraggio comico, ispirato al cinema di propaganda mussoliniano e ai cinegiornali del periodo. Ma l’opera di Hazanavicius somiglia più, come “genere, all’Ed Wood di Burton in quanto estetica e ripristino dei colori e dei suoni (?) di un certo cinema.

La pellicola, presentata anche in occasione dell’ultima edizione del Cinema Ritrovato di Bologna, prende però le dovute distanze dalla parodia e guarda al passato, riflettendo sulle qualità artistiche del cinema, un’arte in continuo movimento ed evoluzione: essa, infatti, “è la sola arte il cui destino dipende strettamente dalla tecnica; l’autore non può oggi fare un film muto. Non potrà più, domani, fare un film in bianco e nero, dopodomani un film bidimensionale” (Barjavel, Cinema totale, 1944).

In questo film si gioca pertanto con il cinema di genere che nei primissimi anni ’30 è stato la cifra stilistica dell’assetto produttivo hollywoodiano, a partire dall’avvento del sonoro (il primo film considerato tale è Il cantante Jazz di Alan Crosland - The Jazz Singer,1927).

The Artist, in questo senso, è un film che allude a un certo cinema del passato e al nascente genere del musical, nonché alle sue icone. Questa pellicola manierista non è pertanto un film “muto” vero e proprio; si tratta semmai di un omaggio agli artisti che hanno vissuto quella particolare epoca di transizione, in cui la tradizione veniva soppiantata, quasi inaspettatamente, dalla novità.

Gli ottimi attori Bejo e Dujardin ballano come Fred Astaire e Ginger Rogers in Cappello a cilindro (Top Hat, 1935); il personaggio di Valentin ricorda astri del cinema come Rodolfo Valentino e Douglas Fairbanks e altri, e subisce il medesimo trauma che hanno subito i grandissimi artisti del muto come Chaplin, il quale aveva accolto il cambiamento con desolazione e imbarazzo. Memorabile, in tale senso, la scena dell’incubo di Valentin in cui egli sogna i rumori frastornanti del progresso di mondo che ineluttabilmente cambia troppo in fretta.

La colonna sonora, firmata da Ludovic Bource, parla, così come parlano gli sguardi, attraverso la gestualità marcata, volutamente sopra le righe, supportata dalle didascalie.

È forse questo il “segreto perduto” di un cinema silente?

Titolo originale: La piel que habito

Regia: Pedro Almodóvar

Interpreti: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Eduard Fernández, Fernando Cayo, Bárbara Lennie, Blanca Suárez

Produzione: El Deseo S.A.

Distribuzione: Warner Bros. Pictures Italia

Origine: Spagna, 2011

Durata: 120’

Uscita nelle sale: 23/09/2011

VM14

Il chirurgo plastico Robert Ledgard (A. Banderas) sta conducendo una ricerca sulla pelle, testando i propri esperimenti sul corpo di un ragazzo (J. Cornet), quello del presunto stupratore della figlia del chirurgo, morta suicida come la madre che, prima di lei, si era gettata dalla finestra in seguito a un incidente che l’aveva sfigurata. Il corpo maschile diventa via, via un corpo femminile (E. Anaya) le cui sembianze sono identiche a quelle della moglie defunta. Da questo assurdo esperimento si origineranno una serie di meccanismi inquietanti relativi al rapporto tra vittima e carnefice.

Almódovar dirige un thriller anomalo, atipico e intimo, nel quale le sue ossessioni sul corpo umano rivelano troppo, tutto quello che non volevamo sapere e che non abbiamo mai osato chiedere.

Clichès della letteratura e dell’arte, quella mostruosa, si susseguono senza timore, alle volte raggiungendo le alte vette del gusto per il grottesco e per il kitsch, accanto ai più raccapriccianti tabù freudiani e all’ormai consunto tema del doppio, eros e thanatos (amore e morte).

Abbiamo pertanto da un lato una sorta di dottor Frankenstein, il cui mestiere richiede di tendere alla perfezione estetica, che ricrea il simulacro della moglie scomparsa in un corpo maschile costretto in una pelle che non è la sua, compiendo il travagliato percorso della transgenesi. Dall’altro, la vittima apparentemente cede al sadismo del suo carnefice, per poi riprendersi la propria libertà. Onnipresenti sono le figure materne che, a loro modo, esprimono ognuna il loro amore per i propri figli, intensificando la doppiezza dei personaggi.

Al centro gravita la violenza, sia fisica che psicologica – forse quest’ultima è la forma peggiore –, generata dai più torbidi meccanismi dell’immaginazione umana, come se la pellicola fosse immersa in un quadro surrealista di Dalì, in cui gli oggetti appaiono così come noi li conosciamo, per poi trasformarsi sotto i nostri occhi, rivelando una verità tanto scioccante, quanto eccessiva.

Bellissime le ambientazioni, così come ogni singola inquadratura e movimento di macchina, che ne La pelle che abito non sono prive di senso allegorico. I quadri esposti nel casolare del chirurgo rispecchiano inoltre l’orrore che si nasconde dietro alla bellezza, al compimento di questa specie di Galatea dalla pelle perfetta e a prova di fuoco.

Certo non si può dire altro su Almódovar, un autore provocatorio, innovatore e critico nei confronti di una società vacua fatta di plastica. Non ci sono vie di mezzo: o lo si ama o lo si respinge del tutto.

Nella versione italiana a una doppiatrice scappa un "mannaggia!".

Titolo originale: Id.

Regia: Roman Polanski

Interpreti: Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster, John C. Reilly

Produzione: Constantin Film, SBS Productions

Distribuzione: Medusa Film

Origine: FR, D, PL, 2011

Durata: 79’

Uscita nelle sale: 16 settembre 2011

I rispettivi genitori di due ragazzini coinvolti in un zuffa al parco, in cui uno ha colpito l’altro con un bastone, si trovano per risolvere la faccenda civilmente e senza coinvolgere direttamente i figli. Da questo incontro ne scaturirà una carneficina verbale in cui ogni personaggio metterà a nudo la propria feroce natura.

Presentato a Venezia, il quasi ottantenne Polanski racchiude nella «sua macchina da presa una visione del mondo lucida, spietata, ironica, cinica … che ha tutto per potere irridere i nostri costumi, il senso del comune agire, l’ipocrisia che regge i rapporti umani» [D. Arpaio].

Il kammerspiel di Polanski, ispirato alla piéce teatrale Il dio del massacro di Yasmina Reza con la quale il regista ha scritto la sceneggiatura, mette alla berlina una borghesia moralista e presuntuosa e demitizza una certa idea di “civiltà” che sembra oggi aver perso qualsiasi ritegno.

Sullo stile di Rope (Nodo alla gola di Hitchcock, 1948), questa pellicola si sviluppa prevalentemente in un interno, e il tempo ansiogeno del dramma si concentra in una giornata (“la più brutta della mia vita!”). Il film è inoltre stato girato a Parigi, nonostante l’azione si svolga a New York, vista la nota condizione da esiliato del regista.

Carnage è un opera grottesca, caustica e irriverente. I dialoghi serrati condividono lo spazio con i gesti apparentemente casuali e ininfluenti; la composizione di ogni singola inquadratura, nella quale i protagonisti vengono incorniciati, seguono con occhio neutro lo scenario, alle volte patetico e alle volte velenoso, in cui ogni personaggio tenta invano di portare acqua al proprio mulino.

Scontri, equivoci, frasi mezze dette oppure battute falsamente innocenti, gettate lì con cattiveria gratuita, fanno in modo che le due coppie a seconda dei casi si alleino, affetti da una curiosa sindrome di Stoccolma, o si lacerino: dalle questioni di gender alle questioni famigliari più intime, come gli uomini che bevono e si regalano un sigaro, o le donne che inveiscono contro l’indifferenza dei rispettivi mariti, oppure ogni genitore che difende il proprio figlio, e via dicendo.

Impressionante e alle volte irritante la bravura di ogni singolo attore dalla “perfetta” bacchettona Foster, alla glamour e bigotta Winslet – le vere regine del dramma –, fino ai rispettivi partners Reilly e Waltz che, a dire il vero, recita una della battute più cattive e ciniche della storia del cinema (a proposito di Jane Fonda e del Ku Klux Klan…).

Polanski mette a nudo la propria repulsione per i roditori.

Finale scioccante per quanto è argutamente banale. Insomma, tanto rumore per nulla!

Bellissima la locandina del film.

Tit. originale: Id.

Regia: Emanuele Crialese

Interpreti: Donatella Finocchiaro, Timnit T., Giuseppe Fiorello, Mimmo Cuticchio, Martina Codecasa, Filippo Pucillo, Filippo Scarafia, Pierpaolo Spollon, Tiziana Lodato, Claudio Santamaria

Produzione: Cattleya, in collaborazione con Rai Cinema, con il supporto del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e della Sicilia Film Commission

Distribuzione: 01 Distribution

Origine: Ita, 2011

Durata: 88’

Uscita nelle sale: 7 settembre 2011

In un’isola siciliana, abitata per lo più da pescatori, frequentata in estate da pochi turisti e, al contempo, investita dagli arrivi dei clandestini, vige la regola nuova del respingimento (la negazione del soccorso) che si contrappone al “codice del mare” dei pescatori. Una famiglia modesta, guidata dal giudizio del vecchio Ernesto, cerca di farsi strada tra le molte complicazioni morali che li chiamano in causa singolarmente, mettendoli di fronte a una decisione da prendere.

Presentato in Concorso alla 68° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, aggiudicandosi il Gran premio della giuria, Terraferma è la storia di uno scontro. Scontro tra le leggi di Antigone, quelle “non scritte” alle quali si appellano i pescatori, e le leggi degli ufficiali, secondo i quali soccorrere i clandestini è reato.

Tuttavia, lo scontro non riguarda solo le leggi, ma anche i rapporti interni alla famiglia: la preoccupazione di una madre, di un nonno e di un figlio. Contrasti tra Ernesto, vecchio pescatore che prosegue l’attività del figlio che ha perso in mare, e Nino, l’altro suo figlio, concentrato sulla propria attività turistica e affatto sensibile ai dispersi in mare. Giulietta, ricoprendo il ruolo di madre angustiata, si rivela speculare e complementare alla naufraga etiope Sara, mamma di due bambini di cui una è il frutto della violenza subita in carcere nel suo Paese.

La struttura del racconto morale di Crialese costituisce la complessità della cultura isolana, per certi versi pura e ancora incontaminata, e i personaggi rimandano ai clichès verghiani, all’“ideale dell’ostrica”, ma puntando sulla capacità di questi di saper accogliere i profughi, pur vivendo in un ristretto e piccolo mondo antico.

L’isola stessa è portatrice di una qualità moralizzatrice attraverso la bellezza delle sue spiagge vulcaniche, delle colline selvagge e del dominante grigio antracite. Analogamente il mare che accoglie i turisti e raccoglie i naufraghi, grazie all’umanizzazione della fotografia di Fabio Cianchetti, diviene testimone della disperata dicotomia che separa le diverse esistenze degli esseri. Esemplari, infatti,  i momenti della gita in barca dei turisti ignari contrapposti alla lunga sequenza subacquea, in cui si vedono gli effetti personali dei sopravvissuti cullati, sui fondali, dalle correnti marine.

La terra ferma è, infine, sinonimo di un’aspirazione, un’utopia, un luogo da raggiungere. Filippo incarna la presa di coscienza di una convivenza tosta, in cui l’incomunicabilità con l’altro (turisti e clandestini, intesi come due facce della stessa medaglia) potrebbe anche, in termini ottimisti, essere sbloccata: basta, infatti, aver il coraggio di tendere la mano.

Crialese è regista di altre opere-chiave del nostro cinema che, al pari di quest’ultimo lavoro, hanno ricevuto riconoscimenti da parte di festival di cinema importanti come il Sundance Film Festival (Once We Were Strangers, 1977), vincendo a Cannes il Gran Premio della Critica con Respiro (2002), interpretato da Valeria Golino, e Nuovomondo con cui si è guadagnato il Leone d’Argento, tre David di Donatello e la candidatura per il miglior film straniero all’Academy Awards.

Attori bravissimi e convincenti, compresi Fiorello e Santamaria; specialmente toccante quelle di Donatella Finocchiaro, il cui sguardo è pieno di dolore e amore, e di Timnit T. che interpreta se stessa, o meglio una donna che ha vissuto una storia simile alla sua, donando al proprio volto i tratti di una bellissima maschera tribale africana.

Musiche abbastanza azzeccate di Franco Piersanti, anche se i brani iper-connotati di Aubry e dei Noir Desire rischiano, nel complesso, di far cadere il progetto estetico di Crialese nella retorica.

REGIA: David Yates
INTERPRETI: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Helena Bonham Carter, Gary Oldman, Alan Rickman, Ralph Fiennes, Tom Felton, Bonnie Wright, Jamie Campbell Bower, Michael Gambon, Jason Isaacs, Maggie Smith, John Hurt, Ciarán Hinds, Jim Broadbent, Evanna Lynch, Emma Thompson, David Thewlis, Rhys Ifans

Ruoli ed Interpreti

PRODUZIONE: Heyday Films, Warner Bros. Pictures
DISTRIBUZIONE: Warner Bros. Italia
ORIGINE: GB/USA, 2011

DURATA: 130’

USCITA NELLE SALE: 13/07/2011

La seconda parte dell’ultimo capitolo della saga più famosa dei nostri tempi giunge alla fine.

Lord Voldemort (R. Fiennes) ha trovato la bacchetta di Sambuco nella tomba di Silente ed è ansioso di annientare una volta per tutte il suo acerrimo nemico, Harry Potter (D. Radcliffe), il quale è alla ricerca degli ultimi Horcrux, accompagnato dagli inseparabili amici Hermione (E. Watson) e Ron (R. Grint). Lo scontro decisivo avrà luogo a Hogwarts, la scuola di magia e di stregoneria, dove i Mangiamorte, i seguaci dell’Oscuro Signore, e i maghi che contrastano il Male, quelli dell’Ordine della Fenice e alcuni studenti, arriveranno alla resa dei conti, subendo non  poche perdite.

David Yates, che ha curato anche la regia di Harry Potter e l’Ordine della Fenice (2007), Harry Potter e il Principe Mezzosangue (2009) e Harry Potter e i doni della Morte parte 1 (2010), conduce alla perfezione una regia complessa e spettacolare, senza perdere mai di vista lo spirito dell’opera originale. La tecniche digitali lasciano ampio spazio alla meraviglia adrenalinica, i duelli sono esaltanti e la sceneggiatura riesce, tramite l’ironia, a smorzare il clima di attesa e la drammaticità dell’azione, aggiungendo varianti assolutamente funzionali e necessarie alla regia di Yates.

In questo senso, dovendo puntare alla sintesi, nonostante l’ultimo capitolo sia stato suddiviso in due parti, molti episodi sono stati ridotti al minimo ai fini della rappresentazione filmica, ma senza per questo eludere la fedeltà al racconto di J.K. Rowling.

L’esempio incalzante è la messa in scena del momento in cui Harry ripercorre i ricordi del professor Piton (interpretato da un grandioso Alan Rickman) in cui con patetismo e lirismo si racconta il dolore di un mago costretto a celare i veri sentimenti che, invece, il flashback, costruito come nella Recherche di Proust, riporta alla luce, rendendo giustizia al personaggio.

Di grande impatto visivo è anche la Battaglia di Hogwarts in cui vengono perfino coinvolte le statue della scuola incoraggiate dalla professoressa MacGrannit (l’eccezionale Maggie Smith), e nella quale gli studenti daranno il meglio di loro stessi come l’intrepido e maturo Neville e l’eterea e saggia Luna.

La saga è, però, una chiara parabola sull’avvento e la presa del potere da parte di un regime autarchico: «spedendo al suolo Lord Voldemort come un volgare villain, Harry … raccoglie il valore in gioco nello scontro. Valore anticipato nella prima parte … che dichiarava l’analogia con la logica del Fascismo e l’ascesa del Nazismo» (M. Gandolfi).

Basti pensare, infatti, al progetto di «purificazione razziale» che Voldemort attuata attraverso la persecuzione dei Mezzosangue, maghi per metà babbani, e per di più da parte di un Mezzosangue stesso; il vero nome dell’Oscuro Signore, nato da famiglia babbana, è Tom Orvoloson Riddle anagramma di Son io Lord Voldemort (in inglese Tom Marvolo Riddle anagramma di I am Lord Voldemort, vedi Harry Potter e la camera dei segreti, 2002) e la sua storia, per certi versi, trova forti analogie con quella di Hitler.

Harry, dal canto suo, diviene paladino della Giustizia nel momento in cui decide di spezzare la bacchetta di Sambuco, l’arma più potente del mondo, rinunciando una volta per tutte alla tentazione di governare sul cosmo intero.

Complesso, gotico, avvincente ed estremamente commovente, il mondo fantastico creato dalla Rowling ci dimostra come esso non sia affatto distante dalla storia umana, in cui avidità e passioni tendono a portarci fuori strada, alle volte per le ragioni più “banali”, ma come in ogni storia fantastica il Bene trionfa sempre, riportando così l’equilibrio nelle cose.

Eccezionale il cast, soprattutto i veterani del cinema inglese, e particolare l’intepretazione di Ralph Fiennes, nei panni di Voldemort, che accarezza appena il suolo nel suo incedere leggero come un’ombra maligna.

Molto bella la fotografia cupa di Eduardo Serra e perfette le musiche di genere di Alexandre Desplat.

Di sicuro l’ultimo capitolo della saga lascia una certa melanconia nei fans. Speriamo che la Rowling abbia in cantiere un altro progetto!

Id.

REGIA: Woody Allen

INTERPRETI: Adrien Brody, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Owen Wilson, Carla Bruni, Kathy Bates, Michael Sheen, Tom Hiddleston, Alison Pill, Elsa Pataky, Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Gad Elmaleh, Corey Stoll, David Lowe, Lil Mirkk, Léa Seydoux

PRODUZIONE: Gravier Productions, Mediapro

DISTRIBUZIONE: Medusa

ORIGINE: Usa, 2011

DURATA: 100'

USCITA NELLE SALE: 02/12/2011

 

Parigi 2010. Gil (O. Wilson) e Inez (R. Mc Adams) sono innamorati, ma la loro idea del mondo e dell’arte è diametralmente opposta. Gil, infatti, vorrebbe stabilirsi nella Ville Lumière, in quanto fonte di ispirazione per il suo romanzo – ambientato ai tempi dell’Età dell’oro degli anni ’20 –, mentre la fidanzatina capricciosa sembra più propensa ad andare a vivere a Malibu. Una sera Gil si perde per le strade parigine, dopo una degustazione di vini e dopo aver abbandonato la compagnia, nella quale c’è anche un borioso intellettuale americano che impartisce lezioni alla Sorbonne (M. Sheen). Durante la promenade, a mezzanotte, un’auto d’epoca si ferma e dei personaggi vestiti in stile retrò esortano Gil a salire sulla vettura. L’americano a Parigi, scortato a un ricevimento apparentemente in maschera, incontra due personaggi che dicono di essere Zelda (A. Pill) e Scott Fitzgerald (T. Hiddleston) e che lo introducono nella cerchia di stimati intellettuali, gli idoli letterari di Gil.

La pellicola, che ha battezzato l’edizione del Festival di Cannes di quest’anno, si apre con una sinfonia di Parigi, capitale per eccellenza del XX secolo come diceva Benjamin, in cui i luoghi riconoscibilissimi – già scorsi nel tour di Tutti dicono I Love You (1996) – altro non sono che l’emblema di un immaginario collettivo ben consolidato ed edulcorato, la vie en rose.

In Midnight in Paris la colonna sonora, come accade in Manhattan (1979), è sia spalla che co-protagonista della città stessa in cui la magia arcana scaturisce dopo la mezzanotte.

Woody Allen ci regala una commedia che, a dir il vero, è un gioiello da lui scritto e diretto. Non solo, infatti, la storia è geniale, ma anche la messa in scena delle situazioni e dei suoi personaggi risulta impeccabile, grazie soprattutto ai brani musicali inseriti nel film e a un consueto cast super-stellare.

Il tema certo non è nuovo, una porta attraverso la quale comunicare con il passato (o con il futuro, a seconda); ma l’arguzia di Allen sta nell’aver scelto come mezzo una vettura d’epoca che al rintocco della mezzanotte carica Gil per riportarlo ai fasti artistici e culturali dei movimenti avanguardistici: "secondo me – afferma il regista – [sin dal titolo] Midnight in Paris evocava un certo romanticismo, anche se ancora non sapevo cosa sarebbe accaduto. Poi di colpo mi è venuta l'idea di questa macchina che si ferma e trasporta il protagonista in un'altra epoca come fosse una macchina del tempo" (cit. NewsCinecittà).

Ne La rosa purpurea del Cairo (1985) la porta attraverso la quale accedere ad altre realtà è lo schermo, ma l’idea di base è la stessa, anche quando tratta dell’aldilà come in Scoop! (2006); sfuggire alla banalità, non arrestarsi per continuare a tenere desta la creatività, ed è come se Woody Allen, ormai 75enne, stesse suggerendo a sé e a noi un buon consiglio.

Nel film, come su una passerella delle vanità, sulla scia di Celebrity (1998), sfilano tutti i grandi intellettuali del periodo connotati dai loro eccentrici modi di fare: da Cocteau a Hemingway, da Buñuel (a cui Gil suggerisce l’dea de L’angelo sterminatore, 1962) a Matisse, da Picasso a Dalì da Cole Porter a Josephine Baker e a T.S. Elliot, per citarne alcuni, fino al centro nevralgico del movimento, vale a dire la divina Gertrude Stein (che legge il manoscritto di Gil ed è magistralmente interpretata da Kathy Bates), il cui appartamento, al numero 27 di rue Fleurus, era il luogo privilegiato degli incontri e degli scontri di tutti gli artisti delle avanguardie storiche di inizio Novecento.

Ci si potrebbe, però, domandare che cosa c’entri Carla Bruni con Rodin, e come mai appaiono citazioni pittoriche come la messa in scena del Ponte giapponese di Monet oppure le opere di Picasso appese nell’appartamento della Stein. Si tratta di una serie di clichés di cui il regista si prende consciamente gioco, contrapponendo la Parigi da cartolina – quella del prologo – alla Parigi immaginata, quella sognata a occhi aperti da un Owen Wilson insolitamente trasfigurato dalla rêverie, il sonnambulismo in cui le fantasticherie e i romitaggi notturni del personaggio infondono vita a quegli stessi idoli che Allen ha amato in gioventù, al pari dei luoghi comuni della letteratura russa rievocati in Amore e guerra (1975).

“Il mio cliché preferito è quello del francese romantico per cui Parigi è la città più romantica del mondo – afferma Allen – i clichés sono divenuti tali a forza di ripetizione, poiché sono infine veri” (cit. Woody Allen - entretien exclusif, «Illimité», maggio 2011).

La Ville Lumière di Woody Allen diviene non solo un perfetto assemblaggio di stereotipi che rimandano alla Parigi dell’alta borghesia, ma anche la metropoli dei destini incrociati e delle polifonie audaci in cui passato e presente trovano la propria ragione di coesistere.

Gli interpreti, tutti meravigliosi, non riducono i loro illustri personaggi a macchiette da café: da Adrien Brody che interpreta Dalì con un buffo accento spagnolo, allo stesso Wilson – attore poco noto in Francia –, fino alla Musa Marion Cotillard e alla première dame Carlà, nei panni di una guida turistica, la cui collaborazione ha suscitato non poche curiosità durante la lavorazione del film.

REGIA E SCENEGGIATURA: Roberta Torre

ATTORI: Donatella Finocchiaro, Beppe Fiorello, Pino Micol, Carla Marchese, Martina Galletta, Piera degli Esposti

FOTOGRAFIA: Fabio Zamarion

MONTAGGIO: Osvaldo Bargero

PRODUZIONE: Rosetta Film, Nuvola Film

DISTRIBUZIONE: Videa CDE

DURATA: 80 min

È un film da prendere così, da godersi scena dopo scena, mettendo da parte l’istinto troppo razionale e lasciando invece spazio all’immaginazione onirica, e un po’ anche alla magia. Un film al femminile, dove fanno da padrone le voci di donne-streghe, ognuna a suo modo. Ed è donna, ed è strega, anche Roberta Torre, che permea di sentimento e di sogno questa pellicola giustamente apprezzata, che ha messo univocamente d’accordo la critica e il pubblico. 

Manuela, tredici anni vissuti a Librino, un quartiere periferico e degradato di Catania, un giorno si inventa di poter fare miracoli. La gente non desidera che crederle, e da quel momento irrompe nella sua vita un'umanità affamata e bisognosa che le chiede di tutto. Mentre sua madre Rita (un’ottima e insolitamente trash Donatella Finocchiaro) intravede la possibilità di farne un commercio, Manuela si spaventa e vorrebbe smettere di fare la santa, ma non è più così facile. Perché, suo malgrado, un miracolo succede davvero.

La storia, alla fine, è quella di una bambina in cerca d’attenzione, di una ragazzina come tante, perché non esistono al mondo solo le “lolite” o le “Babi” che i media ci hanno raccomandato; ci sono anche delle giovani donne che hanno ancora voglia di scoprire il mondo a modo loro, e di abbandonarsi alla fantasia più che al materialismo, al sogno più che al realismo sfrenato, al caso più che alla volontà. Lo stesso caso che fa in modo che una parola detta, per sfizio infantile, in casa, diventi un fatto rilevante di quartiere,  e poi di città, e poi di nazione. Cose che succedono quotidianamente, perché c’è un filo sottile, quasi invisibile, che sembra legare gli eventi, e prendersi gioco di noi. Come quando sembra che tutto l’universo stia cospirando, perché qualcosa accada.

Un ruolo vero e proprio è svolto in questo film dai desideri: i più strani, i più banali, i più distorti. Cosa chiedereste voi, se sapeste di poter avere un’intercessione della Madonna in persona? La salute, la pace, una grazia? No, questo film è ambientato nel profondo Sud. Allora, in questo sud esasperato, ciò che si può chiedere è un’assunzione al supermercato (nel turno dalle 8 alle 13, mi raccomando!), una botta di fortuna al Superenalotto, una carriera da tronista per il proprio figlio. Ah, se solo la Madonna ci ascoltasse davvero!

REGIA E SCENEGGIATURA: [[Emidio Greco]]

ATTORI: [[Giuseppe Battiston]], [[Ambra Angiolini]], Iaia Forte, Giorgia Salari, Annapaola Vellaccio, Francesca Fava

FOTOGRAFIA: Francesco di Giacomo

MONTAGGIO: Bruno Sarandrea

PRODUZIONE: La fabbrichetta

DISTRIBUZIONE: Movimento Film

DURATA: 90 min.

Un’impresa di Giuseppe Battiston: e non è solo quella di aver fatto quasi capitolare Ambra Angiolini, sua partner nel film, confessatasi quasi innamorata di lui già al secondo ciak. In “Notizie degli scavi” (al cinema dal 29 aprile 2011) Battiston ha dato il meglio di sé, se anche ce ne fosse stato bisogno. Già sapevamo quanto fosse eclettico e versatile, ma eravamo forse più abituati a vederlo in arie arcigne, o vigliacche, o in quelle un po’ sudice del classico mollicone senza speranza. Qui, invece, veste i panni insoliti di una vita ai margini, di un essere disadattato, timido e un po’ tardo, in mezzo a delle donne intense e difficili: ecco il ritratto del "Professore” – questo è l’unico nome che gli viene dato, senza spiegarlo.

Quasi nessuno, in fondo, ha un vero nome in questo film, che crea un mondo tutto suo, dove si fa fatica a entrare, ma che alla fine coinvolge e travolge. È lo stesso mondo che volle creare Franco Lucentini nel suo racconto omonimo, del 1964, da cui Emidio Greco, 73 anni cinematograficamente ben portati, ha tratto questo film, sceneggiandolo con passione in modo che diventasse ancora più attuale di quanto già non fosse su carta.

Cinquant’anni dopo l’invenzione di Lucentini, i suoi personaggi sono più che mai affascinanti e la sua storia è ancora possibile: il Professore vive nella casa di appuntamenti della Signora (Iaia Forte), lavando i piatti e sbrigando le “commissioni”. Alcune ragazze lo ignorano, altre, come Gina, lo stanno a sentire, un po’ per compassione e un po’ per compagnia. La sua vita cambia il giorno che, per fare un piacere a una conoscente, va a far visita in ospedale alla Marchesa, un’ex prostituta che ha vissuto qualche tempo prima nella casa, e che ha poi tentato il suicidio per una delusione d’amore. Per lei, a differenza di chiunque altro, la presenza del Professore è vitale, e le sue parole, qualunque siano, sono un conforto. Tra queste due diverse solitudini, nasce un sentimento inedito e speciale.

Restano un po’ stranianti i dialoghi, forse un po’ desueti, ma comunque perfettamente calzanti a tutto il contesto, a quella Roma un po’ ambigua, allo sguardo languido di Ambra Angiolini, alle musiche malinconiche di Luis Bacalov.

Resta, soprattutto, una bella e intensa riflessione sul valore della bellezza, quella che non muore, e che s’incarna nei resti architettonici di Villa Adriana, ripresi da Greco con emozionante maestria, facendone il cuore del suo film. Ogni volta, l’incontro con quella bellezza ricrea un sentimento nuovo, e anche se il fasto del passato è ormai perduto per sempre, quella “notizia degli scavi”, ovvero la consapevolezza che “qualcosa rimane”, può dare speranza a chiunque cerchi una sua redenzione.